Histoire du Visuel – L’Art Moderne

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ART MODERNE

Thème : A la manière de Vasarély
Thème : A la manière de Seurat – Pointillisme
Thème : La Joconde détournée
Thème : Andy Warhol – Portraits
Thème : Picasso – Portraits
Thème : Porte bague Niki de Saint Phalle – Fête des mères – Arts plastiques
Thème : A la manière de Van Gogh
Thème : A la manière de Niki de St Phalle
Thème : Paul Klee – Portraits
Thème : A la manière de Keith Haring
Thème : Roy Lichtenstein – Portraits
Thème : A la manière de Hamilton – Pop Art
Thème : Chuck Close – Portraits
Thème : Britto – Portraits
Thème : A la manière du Op Art – Art Optique – Portraits


ART MODERNE

 

A la manière de Vasarély

  • Victor Vasarely est un plasticien tout à fait singulier dans l’histoire de l’art du XXème siècle. Accédant à la notoriété de son vivant, il se distingue dans l’art contemporain par la création d’une nouvelle tendance : l’art optique. Son œuvre s’inscrit dans une grande cohérence, de l’évolution de son art graphique jusqu’à sa détermination pour promouvoir un art social, accessible à tous.
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A la manière de Seurat – Pointillisme

  • Georges Seurat est connu pour son utilisation novatrice du dessin et pour avoir inventé la technique de peinture du pointillisme. Son oeuvre Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte (1884-1886) a changé la trajectoire de l’art moderne en inventant la peinture néo-impressionniste. Cette peinture est l’une des icônes de la peinture de la fin du 19e siècle.
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La Joconde détournée

  • La Joconde est probablement l’oeuvre d’art la plus connue au monde. En la détournant, les publicitaires détournent un symbole historique, font un clin d’oeil artistique et utilisent une référence commune.
    De Luftansa à Head and shoulders ou encore Faber Castell ou Sony, la Mona Lisa nous vend des shampoings, des vêtements, de la nourriture et même des tampons !
    C’est en 1950 que la Mona Lisa commence à devenir l’égérie d’affiches publicitaires, avec Luftansa qui l’utilise à la fois comme symbole parisien et artistique pour ses vols Paris non-stop.
    Mais c’est dans les années 2000 que la Joconde devient star de la publicité, on ne voit plus qu’elle, elle est une réelle source d’inspiration des publicitaires. Elle devient le visage d’une série de produits aussi divers que variés.
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Andy Warhol – Portraits

  • Doué d’un talent inné pour le dessin, Andy Warhol entre dans l’univers artistique des années 50 par le biais d’images publicitaires à l’instar de ses prédécesseurs James Rosenquist ou Roy Lichtenstein. Il devient illustrateur pour des magazines comme Vogue ou The New Yorker dans lesquels il se fait remarquer grâce à des dessins de chaussures et d’accessoires. De ces années, il gardera l’agilité de la main, la vivacité du trait, de la pose et du choix des couleurs que l’on retrouvera sans cesse dans la majeure partie de ses oeuvres, même les plus tardives.
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Picasso – Portraits

  • Né en 1881 à Malaga, il passe sa jeunesse en Espagne. En 1891, son père, peintre, accepte un poste d’ enseignant à l’école de dessin “La Corogne”, Picasso a 10 ans et il s’exerce au dessin alors qu’il sait à peine lire. En 1895, il s’installe avec sa famille à Barcelone, son père enseigne à l’école très académique des Beaux-arts et grâce à lui, Picasso, âgé seulement de 14 ans peut passer exceptionnellement le concours d’entrée. Il se révèle être un véritable prodige et il est tout de suite admis. L’enseignement de l’école est classique et Picasso maîtrise très vite et parfaitement le dessin et la peinture. Deux ans plus tard, il se présente au concours de l’Académie Royale de Madrid. Son succès y est aussi éclatant qu’à Barcelone. A 16 ans, Picasso a atteint le plus haut niveau artistique des meilleures écoles d’art d’Espagne.
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Porte bague Niki de Saint Phalle – Fête des mères – Arts plastiques

  • Niki de Saint Phalle (1930-2002) est l’une des artistes les plus populaires du milieu du XXe siècle, à la fois plasticienne, peintre, sculptrice et réalisatrice de films. Si elle est surtout connue du grand public pour ses célèbres « Nanas », son oeuvre s’impose aussi par son engagement politique et féministe et par sa radicalité. Le Grand Palais propose la plus grande exposition consacrée à l’artiste depuis vingt ans et un nouveau regard porté sur son travail.
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A la manière de Van Gogh

  • Fils d’un pasteur néerlandais, neveu de son homonyme Vincent Van Gogh qui co-dirigeait la firme de négoce d’art international Goupil & Cie à La Haye, Vincent, comme son frère Théo, commença par suivre la tradition familiale en juillet 1869 en entrant en apprentissage chez Goupil & Cie.
    Il devait y rester plus de 5 ans, à La Haye, puis dans les filiales, à Bruxelles, Londres (juin 1873 à mai 1875), Paris (jusqu’à fin 1875), où il commença à développer un dégoût pour le commerce de l’art. Il se mit alors à mener une vie de reclus et à lire intensément la Bible.
    Il quitte son emploi et retourne chez ses parents à Etten en 1876, avant de retourner en Angleterre comme professeur dans un internat, puis prédicateur.
    L’année suivante, il commence des études de théologie à Amsterdam, qu’il abandonne un an après, avant de partir pour le Borinage, en Belgique, comme prédicateur et évangéliste auprès des mineurs de charbon de cette région désolée.
    Son tempérament fougueux et ses opinions politiques et sociales avancées le font se heurter aux autorités de l’Eglise et Vincent abandonne sa vocation.
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A la manière de Niki de St Phalle

  • Niki de Saint Phalle (1930-2002) est l’une des artistes les plus populaires du milieu du XXe siècle, à la fois plasticienne, peintre, sculptrice et réalisatrice de films. Si elle est surtout connue du grand public pour ses célèbres « Nanas », son oeuvre s’impose aussi par son engagement politique et féministe et par sa radicalité. Le Grand Palais propose la plus grande exposition consacrée à l’artiste depuis vingt ans et un nouveau regard porté sur son travail.
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Paul Klee – Portraits

  • Paul Klee naît au sein d’une famille de musiciens. Ce n’est toutefois pas vers la musique qu’il se tourne mais vers l’art pictural. A sa sortie de l’académie des Beaux-Arts de Munich, il réalise quelques œuvres, qu’il présente plus tard à l’exposition du Cavalier bleu. C’est à cette période qu’il côtoie Kandinsky et August Macke. Lors d’un séjour en Tunisie avec ce dernier, il reçoit une formidable révélation : celle de la couleur. A partir de 1921, Klee enseigne au Bauhaus, poste qu’il occupera jusqu’en 1930. S’inspirant toujours de l’avant-gardisme, Paul Klee réalise des toiles d’une originalité frappante, entre suggestions, onirisme et fantastique (Villa R., 1919 ; Eros, 1923 ; Variation, motif progressif, 1927). Il écrit également quelques ouvrages théoriques (l’Art moderne, 1924 ; Carnets d’esquisses pédagogiques, 1925). Destitué par les nazis de son poste d’enseignant à Düsseldorf, il se rend à Berne et peint des idéogrammes (Signes noirs, 1938). Atteint d’une maladie musculaire, l’artiste s’éteint en 1940.
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A la manière de Keith Haring

  • Keith Haring est un artiste américain et un activiste social connu pour ses graffitis illustrés. Les dessins linéaires et audacieux de Haring recouvrent souvent des espaces publics new-yorkais dans le métro et en ville, sa fresque Crack is Wack (1986) occupe toujours un mur de la Franklin D. Roosevelt Drive, voie rapide qui longe l’East River à Manhattan. Il est ami avec Kenny Scharf et Jean-Michel Basquiat, vit et travaille à New York après s’y être installé pour suivre des études à la School of Visual Arts à la fin des années 1970. Né Keith Allen Haring le 4 mai 1958 à Reading en Pennsylvanie, il apprend à dessiner très tôt et montre un intérêt pour les dessins animés et la culture populaire. Diagnostiqué séropositif en 1988, la prodigieuse carrière de Haring est brève : son engagement artistique pour éveiller les consciences à propos de la maladie prend fin le 16 février 1990 quand il meurt à 31 ans de complications liées au virus du SIDA. Son travail figure, entre autres parmi les collections du Museum of Modern Art, du Whitney Museum of American Art, du Los Angeles County Museum of Art, de l’Institut d’art de Chicago, du Bass Museum à Miami.
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Roy Lichtenstein – Portraits

  • Roy Lichtenstein est un artiste américain qui définit l’esthétique du Pop Art. Aux côtés des artistes Andy Warhol, James Rosenquist et Jasper Johns, Lichtenstein utilise la culture populaire comme base artistique dans les années 1950 et s’éloigne de l’expressionnisme abstrait. Ses peintures récupèrent l’imagerie commerciale et il est surtout connu pour son utilisation des points Benday — la méthode utilisée dans les journaux et les bandes dessinées pour designer les dégradés et les textures — sur grande échelle. Dans sa série Brushstrokes commencée en 1960, ses traits audacieux et les couleurs primaires s’inspirent de reproductions de Cézanne, Mondrian et Picasso. Né Roy Fox Lichtenstein le 27 octobre 1923 à New York, il commence sa carrière à l’Art Students League of New York après le lycée. Il obtient sa maîtrise en beaux-arts à l’université d’État de l’Ohio en 1949 et commence à enseigner. Alors qu’il travaille en tant que professeur à l’université Rutgers, il rencontre Allan Kaprow qui l’incite à revisiter l’imagerie pop. Lichtenstein retourne à New York où il continue de vivre et de travailler jusqu’à sa mort le 29 septembre 1997 à l’âge de 73 ans.
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A la manière de Hamilton – Pop Art

  • Richard Hamilton est un peintre anglais et un artiste du collage connu pour être l’un des premiers partisans du Pop art. Né le 24 février 1922 à Londres, Hamilton travaille en tant qu’apprenti à une usine de composants électroniques quand il commence à prendre des cours du soir à la Saint Martin’s School of Art. En 1956, il achève son premier grand collage intitulé “Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?”, une image dans l’histoire de la Pop qui décrit une variété d’éphémères culturels réunis dans un collage très inventif. Hamilton entretient une longue relation avec les médias populaires grâce à la couverture de The White Album (1968) des Beatles qui reste à ce jour son œuvre la plus célèbre et la plus populaire. Il meurt le 13 septembre 2011 à Oxfordshire en Angleterre et en mai 2014 une grande rétrospective est organisée à la Tate Modern en son honneur. Ses œuvres sont exposées au Met et au MoMA de New York.
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Chuck Close – Portraits

  • Chuck Close est un artiste américain connu pour ses portraits photoréalistes à grande échelle. Close construit ses célèbres peintures grâce à un système de grille où chaque carré est marqué individuellement correspondant à une cellule marquée dans ses photographies. Grande figure de la peinture des XXe et XXIe siècles, les sujets de ses portraits sont généralement sa famille et ses amis, notamment Richard Serra, Alex Katz, Cindy Sherman et Cecily Brown. Tout comme les toiles impressionnistes, ses compositions prennent vie quand le spectateur s’en éloigne, Close s’écarte du réalisme pour créer des séries plus picturales. « Je sais ce que les couleurs vont donner », déclare-t-il à propos de sa technique. Né Charles Thomas Close le 5 juillet 1940 à Monroe dans l’État de Washington, l’artiste souffre de dommages subis suite à un problème dans une artère vertébrale survenue en 1988 qui le laisse paralysé. Sans se décourager, Close adapte sa méthode de peinture, travaille désormais à l’aide d’un pinceau attaché à son poignet et continue de développer peintures, photos, gravures et œuvres textiles. Close vit et travaille entre New York et Long Island.
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Britto – Portraits

  • Romero Britto est un artiste brésilien dont le style graphique mêle Pop art et cubisme. Ses illustrations brillantes et colorées, qui rappellent Pablo Picasso et Roy Lichtenstein, sont remplies de formes géométriques et de textures dans une perspective fragmentée. Né le 6 octobre 1963 à Récife au Brésil, Britto apprend par lui-même et grâce à ses voyages à Paris en 1983, il s’expose à des maîtres modernes comme Picasso et Henri Matisse. Il rencontre un succès commercial à travers des campagnes publicitaires, notamment pour Absolut Vodka en 1989, ce qui l’aide à lancer sa carrière. Les installations publiques de Britto sont disponibles aux États-Unis, en Suisse et au Brésil. Il vit et travaille à Miami en Floride où il possède la galerie Britto Central.
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A la manière du Op art – Art optique – Portraits

  • “Op art” est l’abréviation d’ “art optique”, en d’autres termes, l’Op art est une tendance artistique qui joue avec la perception visuelle de l’observateur. L’Op art apparaît au milieu des années 50 et reprend à son compte des impulsions importantes issues de l’orphisme, du futurisme et du mouvement de Stijl.
    Dans la démarche Op art, l’illusion optique est rendue par la répétition de champs de couleur uniformes calculés avec rigidité mais qui s’harmonisent. L’illusion est provoquée par l’enchaînement ciblé des éléments graphiques et par l’exploitation des lois propres à la couleur telles que le contraste simultané.
    La désignation Op art est véritablement instaurée depuis 1965 à l’issue de l’exposition du MoMA “The Responsive Eye”.
    Les principaux représentants de l’Op art sont : Victor Vasarely, Bridget Riley, Jésus Soto, Cruz Diez, Julio Leparque et Youri Messen-Jaschin.
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